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Progressive Rock World

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Il Jazz-Rock Fusion: l’improvvisazione jazzistica e l’energia del rock.

Il Jazz-Rock Fusion, un sottogenere fondamentale del progressive rock, che fonde l’improvvisazione jazzistica, l’energia del rock e la complessità ritmica.  Nato tra la fine degli anni Sessanta e l’inizio degli anni Settanta, questo genere condivide con il prog rock la ricerca tecnica e l’uso di strumenti elettrici.

Ma affrontiamo subito il tema più caldo, l'accesissimo dibattito tra gli appassionati e storici della musica: 

Il Jazz-Rock Fusion è un sottogenere del progressive rock o qualcosa di completamente diverso? 

Questa discussione va avanti da decenni, la comunità si divide in due gruppi, ognuno con le sue idee, che appaiono solo apparentemente inconciliabili.

Chi si oppone, quelli che non vedono Jazz-Rock Fusion nel mondo del prog, sottolinea delle differenze importanti con argomentazioni molto solide:

Il progressive rock è nato nel Regno Unito come evoluzione del rock psichedelico e del blues, con una forte influenza della musica classica europea. La fusion, invece, è nata negli Stati Uniti ed è legata alla cultura afroamericana del jazz e del funk. Vero.

Le canzoni prog sono scritte, calcolate e arrangiate nota per nota, un po’ come la musica sinfonica. La fusion, invece, spesso usa la classica struttura jazz: si suona un tema principale breve (head), e poi si parte con lunghissimi assoli improvvisati al momento. Vero.

Il prog rock, anche se ha delle lunghe parti strumentali, usa molto la voce, la teatralità e testi concettuali o fantasy. La fusion è quasi sempre strumentale e non ha elementi teatrali sul palco. Vero anche questo.

Vediamo invece le ragioni di chi li unisce, quelli che vedono il Jazz-Rock Fusion nel mondo del prog, e le argomentazioni, altrettanto valide.

Entrambi i generi rifiutano la struttura convenzionale della canzone pop breve, preferendo l’esplorazione di nuovi territori sonori e la complessità tecnica. Vero.

Negli anni ’70, i confini tra i due generi erano incredibilmente fluidi. Batteristi prog iconici come Bill Bruford (King Crimson/Yes) e Phil Collins (Genesis) hanno fondato o suonato in band puramente fusion, rispettivamente i Bruford e i Brand X. Vero.

Esistono intere scene in cui i due generi sono letteralmente indistinguibili. La scena di Canterbury, con band come i Soft Machine, e gruppi europei come i francesi Magma e gli italiani Perigeo, vengono regolarmente etichettati sia come prog che come jazz-rock. Verissimo anche questo.

La diatriba si risolve quindi in una questione di prospettiva. Se consideri il termine progressive in senso stretto (il genere musicale sinfonico/inglese degli anni ’70), allora la fusion è un’altra cosa. Se, invece, consideri il termine progressive in senso lato (musica rock che evolve e sperimenta oltre i propri confini), allora la fusion ne è una delle massime espressioni.

Sitratta di uno dei molti casi in cui, nella musica, hanno tutti ragione. Ed io propendo per la tesi che il Jazz-Rock Fusion sia parte integrante e indivisibile del Progressive Rock.

 Vediamo un po' di storia di questo genere.

Il Jazz-Rock Fusion è un genere nato alla fine degli anni ’60 e che continua ad evolversi ancora oggi, passando attraverso periodi di grande sperimentazione, successo commerciale e rinascite digitali.  L’idea era di mescolare il jazz tradizionale con il rock psichedelico, creando qualcosa di completamente nuovo.

Miles Davis è stato il vero e proprio iniziatore di questo movimento. Con i suoi album “In a Silent Way” (1969) e il leggendario “Bitches Brew” (1970), Davis ha introdotto strumenti elettrici, ritmi rock e nuove tecniche di montaggio in studio, rivoluzionando il panorama musicale.  Molti dei musicisti che hanno suonato con lui hanno poi fondato gruppi fondamentali per il genere: Joe Zawinul e Wayne Shorter hanno creato i Weather Report, John McLaughlin ha fondato la Mahavishnu Orchestra, e Chick Corea ha dato vita ai Return to Forever.

Nel frattempo, anche alcune band rock, come i The Soft Machine in Inghilterra (Padri della Scena di Canterbury) e Frank Zappa negli Stati Uniti, hanno iniziato a inserire complessi arrangiamenti jazz nei loro dischi progressive, contribuendo così alla nascita e alla diffusione del Jazz-Rock Fusion.

L’Età d’Oro, il Successo Commerciale, arriva negli Anni ’70.  In questo periodo, il genere raggiunge il suo apice tecnico e conquista un pubblico enorme.  Gruppi come la Mahavishnu Orchestra mescolano la velocità del rock con scale jazzistiche intricate e tempi dispari tipici del prog.

Herbie Hancock, con il suo album Head Hunters del 1973, e i Weather Report, con l’arrivo del bassista Jaco Pastorius, portano la fusion verso ritmi funk, dominando le classifiche.

In Italia, nascono i Perigeo, mentre i Napoli Centrale uniscono il jazz-rock con la tradizione melodica e i testi sociali napoletani.

Il Jazz-Rock Fusion mescola la complessità e l’improvvisazione del jazz con l’energia e la potenza del rock e del progressive.  Un mix di suoni sofisticati e ritmi travolgenti.

Invece degli strumenti acustici tipici del jazz, come il contrabbasso e il pianoforte, la fusion usa strumenti elettrici ed elettronici.  Tastiere e sintetizzatori come Rhodes, Hammond, Moog e Prophet creano atmosfere futuristiche e tappeti sonori incredibili. La chitarra elettrica diventa la star, con distorsori, delay e pedali wah-wah.  E poi c’è il basso elettrico, che sostituisce il contrabbasso e diventa uno strumento virtuosistico e percussivo, o melodico, soprattutto con il basso fretless.  In studio, si usano riverberi, delay ed editing per dare ai brani un suono unico e particolare.

Il ritmo è il cuore della fusion e si allontana dal classico “swing” jazzistico.  Si usano tempi dispari e composti, come il 5/4, il 7/8 e l’11/8, che danno nuova energia.  C’è anche la poliritmia, diversi accenti ritmici che si sovrappongono tra batteria, percussioni e basso. La batteria suona con un groove potente e lineare, tipico del rock e del funk, mantenendo sempre un volume alto e costante.

La fusion unisce la complessità del jazz modale con l’energia dei riff rock.  L’armonia modale si basa su pochi accordi prolungati che lasciano spazio all’improvvisazione.  Si usano scale esotiche, diminuite, esatonali e modi della scala minore melodica per creare sonorità tese e misteriose.  E poi ci sono i riff di unisono, temi complessi suonati insieme da tastiere, chitarra e fiati a velocità pazzesche.

I brani di fusion spesso superano i 10 minuti e alternano sezioni scritte e arrangiate a lunghissimi spazi improvvisati.  I musicisti non si limitano ad accompagnare il solista, ma dialogano continuamente, cambiando ritmo e intensità in tempo reale.  È un genere musicale in continua evoluzione, sempre alla ricerca di nuove sonorità e nuove emozioni.

I Padri Fondatori, musicisti che hanno collaborato con Miles Davis, hanno poi dato vita a band che hanno plasmato il genere fusion.  

I Weather Report, fondati da Joe Zawinul e Wayne Shorter, si distinguono per il loro approccio sperimentale, funk e l’apertura alla world music, con “Birdland” come inno indiscusso. 

La Mahavishnu Orchestra, creata da John McLaughlin, fonde la potenza del rock, la velocità del jazz e il misticismo indiano, utilizzando tempi ritmici complessi. 

I Return to Forever, guidati da Chick Corea e con Stanley Clarke al basso, combinano jazz-rock e influenze latine, soprattutto nei capolavori “Light as a Feather” e “Romantic Warrior”. 

Herbie Hancock, ha rivoluzionato il jazz unendolo al funk primitivo e campionando sintetizzatori analogici nell’album “Head Hunters” del 1973.

Nel panorama del rock e del progressive, si sono verificate delle fusioni tra i generi.  Musicisti provenienti da questi ambiti hanno integrato elementi jazz nelle loro elaborate composizioni.

Frank Zappa, un vero e proprio genio, ha anticipato i tempi.  Album come “Hot Rats” (1969) e “The Grand Wazoo” (1972) sono esempi eccellenti di jazz-rock orchestrale e satirico.

I The Soft Machine e la Scena di Canterbury, hanno iniziato con il rock psichedelico. Con l’album “Third” (1970), hanno realizzato uno dei più importanti dischi di prog-jazz-rock della storia europea.

I Brand X, band britannica nata a metà degli anni ’70, sono noti per aver avuto Phil Collins dei Genesis alla batteria.  Rappresentano l’ideale punto di incontro tra il progressive rock inglese e la fusion strumentale.

I Bruford, gruppo fondato da Bill Bruford, leggendario batterista di Yes e King Crimson, sono nati per esplorare le strutture ritmiche sincopate tipiche del jazz-rock.

Questo genere vanta solisti che hanno rivoluzionato le tecniche dei loro strumenti. 

Jaco Pastorius, ad esempio, è considerato il bassista più grande di sempre.  Con il suo basso fretless, sia nei Weather Report che nei suoi album solisti, ha elevato lo strumento da semplice accompagnamento vocale a protagonista solista, capace di esprimere vera e propria poesia.

Allan Holdsworth, chitarrista venerato da musicisti del calibro di Eddie Van Halen e Frank Zappa, ha creato un fraseggio inimitabile, scale completamente innovative e ha fatto uso del SynthAxe, una chitarra-sintetizzatore.

Al Di Meola, entrato giovanissimo nei Return to Forever, si è distinto per la sua incredibile velocità di plettrata e per aver fuso il jazz-rock con il flamenco e la musica mediterranea.

Pat Metheny, chitarrista dal suono lirico, morbido e corposo, con il suo Pat Metheny Group, ha sviluppato una fusion accessibile, solare e ricca di influenze folk americane e brasiliane.

Negli anni ’70, anche l’Italia ha vissuto un periodo d’oro per la musica, sviluppando un proprio stile unico e originale nel panorama del genere.

I Perigeo, guidati dal contrabbassista Giovanni Tommaso, sono stati considerati la risposta italiana ai Weather Report. Album come “Abbiamo tutti un blues da piangere” (1973) combinano elementi di jazz, progressive e una forte impronta cantautorale italiana.

Gli Area, guidati dalla voce straordinaria di Demetrio Stratos, hanno mescolato il jazz-rock radicale con influenze di world music mediorientale, musica contemporanea d’avanguardia e testi di forte impegno politico.

I Napoli Centrale, fondati da James Senese e Franco Del Prete, hanno unito i riff del jazz-rock americano con il dialetto napoletano, la sofferenza delle classi popolari e una marcata componente soul/funk.

Ci sono altre band che incarnano la spina dorsale storica del Jazz-Rock Fusion degli anni ’70, abbracciando la scena americana, britannica, europea e l’eccellenza italiana.

Billy Cobham, uno dei batteristi fusion più influenti di sempre, ha lasciato il segno dopo aver suonato con Miles Davis e aver rivoluzionato il mondo della batteria con la Mahavishnu Orchestra. Da solista, ha ridefinito il genere con l’album capolavoro “Spectrum” (1973). Il suo contributo risiede nell’aver introdotto una potenza fisica, una velocità e una tecnica poliritmica mutuate dal rock pesante, applicate alla complessità del jazz.

Carlos Santana ha portato la fusion a un pubblico più vasto, arricchendola con ritmi latini, afro-cubani e psichedelia. Pur essendo nato come gruppo rock, nei primi anni ’70, con album come Caravanserai e la collaborazione con John McLaughlin in Love Devotion Surrender, Santana ha raggiunto livelli di jazz-rock spirituale e strumentale senza precedenti.

Ian Carr e i suoi Nucleus sono stati per il Regno Unito quello che Miles Davis è stato per gli Stati Uniti. Attivi dal 1969, hanno creato uno stile fusion tipicamente britannico, caratterizzato da atmosfere scure, un ampio uso di fiati, incastri ritmici ipnotici e una forte affinità con il progressive rock della Scena di Canterbury. Molti membri dei Nucleus avrebbero poi suonato nei Soft Machine.

Jean-Luc Ponty, violinista francese di formazione classica, è considerato il pioniere del violino jazz-rock moderno.  Dopo aver suonato con Frank Zappa e la Mahavishnu Orchestra, ha intrapreso una carriera solista di grande successo. Il suo contributo più significativo è stato l’introduzione di effetti elettronici come distorsori, wah-wah e sintetizzatori collegati al violino, dimostrando che uno strumento classico poteva essere potente e aggressivo quanto una chitarra elettrica.

I Moose Loose, pur non essendo famosi al grande pubblico, sono stati una band jazz-rock norvegese di culto negli anni ’70.  Rappresentano l’approccio scandinavo alla fusion: un sound pulito, geometrico ed elegante, che ha anticipato le sonorità che avrebbero reso celebre l’etichetta ECM a livello internazionale.

Poi c’è L’Orgoglio del Prog-Jazz Italiano: Arti & Mestieri. Guidati dalla batteria potente e geometrica di Furio Chirico, questo gruppo torinese è uno dei massimi esponenti del “muro sonoro” italiano. Con l’album Tilt (1974), hanno saputo fondere le tastiere e i violini romantici tipici del progressive rock sinfonico italiano (alla PFM) con la velocità, i tempi dispari e l’energia del jazz-rock più estremo.

Ed oggi?

Ci sono modi completamente diversi, ma ugualmente fondamentali, di intendere e far evolvere il Jazz-Rock Fusion e il progressive rock nel panorama musicale contemporaneo.

Hiromi Uehara, pianista e compositrice giapponese, è una figura di spicco nella fusion contemporanea. Il suo stile esplosivo fonde una tecnica classica impeccabile, l’improvvisazione del jazz d’avanguardia e l’energia pura del rock e del metal. Con progetti come The Trio Project, insieme ad Anthony Jackson e Simon Phillips, e il più recente Sonicwonder, Hiromi ha dato una ventata di freschezza al genere.  Utilizza sintetizzatori in combinazione con il pianoforte acustico, creando composizioni dai tempi dispari vertiginosi che incantano il pubblico nei teatri di tutto il mondo.

I Djabe e Steve Hackett hanno costruito un ponte transoceanico tra il progressive rock classico e la world fusion moderna. Questa collaborazione rappresenta il perfetto punto di incontro tra due mondi musicali. Djabe, la jazz-rock/world music band più importante d’Ungheria, unisce elementi jazz-rock a strumenti e melodie tradizionali dell’Europa dell’Est. Steve Hackett, leggendario chitarrista dei Genesis dell’età d’oro, collabora stabilmente con la band sia in studio che dal vivo. Insieme, dimostrano come la sensibilità melodica del prog rock sinfonico possa fondersi organicamente con le strutture improvvisative e i ritmi etno-jazz europei, mantenendo vivo lo spirito di ricerca degli anni ’70.

Flea, bassista dei Red Hot Chili Peppers, ha portato il suo groove funk-rock nella fusion.

Michael “Flea” Balzary, celebre bassista dei Red Hot Chili Peppers, ha un profondo legame con il jazz e la fusion. Cresciuto dal patrigno, un musicista jazz, Flea iniziò come trombettista jazz prima di passare al basso elettrico. Ha collaborato con figure di spicco della fusion e del prog sperimentale, come i The Mars Volta. Inoltre, ha fondato la Silverlake Conservatory of Music, una scuola non-profit che promuove l’insegnamento del jazz e della musica orchestrale ai giovani. Lo stile unico di Flea al basso, che fonde lo slap funk hardcore con l’aggressività punk e rock, ha avuto un impatto significativo sulle nuove generazioni di bassisti fusion contemporanei, che oggi combinano la tecnica jazz con l’energia fisica e ritmica che caratterizza il suo modo di suonare.

Insomma, il Jazz-Rock Fusion è un sottogenere del progressive rock o qualcosa di completamente diverso? Comunque la pensiate, è una discussione meravigliosa.

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